Blog Draw Planet

Mnoho lidí se chce naučit malovat, ale bojí se začít. Jak k malbě přistupovat? Jaký štětec a papír si mám vybrat? Kde začít?

1. Najděte inspirativní předmět k malování

Nějaký zajímavý objekt, na který je příjemný pohled, je nezbytný pro vytvoření úspěšného díla.

Při práci na malbě Vás bude motivovat zájem o barvu a tvar. Pokud cítíte nějaké spojení mezi Vámi a svým vybraným předmětem, bude se Vám lépe stvárňovat na plátně. Dokážete víc, než si myslíte.

2. Seznamte se se štětci a barvami

Vezměte měkký kulatý štětec a srovnejte štětiny. Vytlačte trochu akrylové barvy z tuby na paletu. Zkuste nanést neředěnou barvu různými štětci na plátno nebo akvarelový papír. Tahy by měly být světlé a reliéfní. Pocítíte rozdíl v tazích různými štětci. Přidejte trochu vody a znovu přetřete tahy. Střední konzistence barvy má stejnou barevnou intenzitu jako neředěná, ale její textura je vyhlazená. A toto cvičení proveďte znovu se slabým roztokem barvy. Všimněte si, jak rychle barvy schnou poprvé, podruhé a potřetí.

3. Užitečné techniky práce s paletou

Barvy na obrazech, které vidíme, se většinou získávají smícháním: čistá barva z tuby je obvykle příliš intenzivní. Následující techniky vám usnadní získání požadované barvy.

• Vymáčkněte barvu z tuby k okraj palety a ponechte mezi barvami určitou vzdálenost. Pro prolnutí použijte střed palety. Udržujte směsi daleko od sebe, abyste zabránili nechtěnému smíchání.
• Intenzivní tmavé barvy, jako je černá (ačkoliv není vědecky považována za barvu), je třeba přidávat opatrně; i malé množství může výrazně změnit barvu, kterou namícháte.
• Barvy musíte vzájemně míchat, dokud není dávka zcela homogenní.
• Nešetřete barvou. Vymáčkněte tolik, kolik je potřeba – obvykle je to kruh o velikosti mince. Spotřeba barvy je nedílnou součástí procesu malování. Pokud budete příliš šetřit, nikdy se nenaučíte používat barvu.

4. Naučte se získat neutrální barvy

Každý obraz obsahuje neutrální barvy – „vizuálně šedé“. Díky nízké intenzitě jsou na první pohled neviditelné, ale jedná se o nejužitečnější nástroj pro vytvoření harmonické barevné kompozice. Podívejme se, jak toho dosáhnout. 

Začátečníci si často nejsou jisti, jak aplikovat tahy. Na obrázku šipky ukazují směr, který pomůže dosáhnout dobré hloubky zobrazeného prostoru na příkladu kruhu.

Pokud nechcete malovat určitý objekt, tak abstrakce je zábavný a snadný způsob, jak se připravit na realistické umělecké dílo. Je důležité vybrat 3-4 barvy, které se Vám líbí, abyste cítili emocionální spojení s obrazem.

Tvary na obrázku přetřete barvami a odstíny, konzistencí barvy a štětcem, které Vám vyhovují. Naslouchejte svému vnitřnímu hlasu. Hlavním úkolem je dělat, jak chcete, zapomenout na všechno ostatní.

A nebo můžete se přihlásit do kurzu Draw Planet 🙂 Tady se budete učit podle logické vymyšleného programu, během kterého se Vámi zkušení lektoři podělí o své zkušenosti v oboru. Přihlaste se a naučte se malovat akrylem, olejem anebo akvarelem!

https://www.drawplanet.cz/kurz/

Lidské tělo je fascinující a když se umělci rozhodnou jej nakreslit v co možná nejvěrnější podobě, je zapotřebí hodně praxe. Náročnou částí těla jsou dolní končetiny. Paže a nohy mají mnoho společného, když přijde na jejich kreslení. Celý proces jejich vyobrazení si je navzájem velmi podobný. Největší rozdíl mezi nimi představuje především množství svalové hmoty.

Pochopení toho, jak kreslit nohy, začíná uvědoměním si zapojených svalů a jejich nakreslením po částech. Co je tedy vlastně nezbytné udělat, je zjistit, jakým způsobem je lze vystihnout všechny a nic neopomenout.

Tento článek je svým pojetím koncipován tak, aby byl každý začínající umělec schopen osvojit si základní znalosti kresby nohou v základním postavení. Bez zbytečných složitostí, které by jen komplikovaly celý proces. 🙂

Krok 1

Stejně jako by tomu bylo například při kresbě paží, je i v tomto případě nutné začít náčrt dolní končetiny od jejich základny, tady od ,,kostry”. Pomocí dvou čar bude nejprve zakreslena horní a dolní část a následně přidáním tří kruhů budou zobrazeny klouby.

Krok 2

Nyní přijde na řadu zesílení jednotlivých částí dolní končetiny. Začátek by měl být směrován od horní části, tj. od stehna. Stehno by se pak mělo blíže ke kolenu jemně zužovat.

Krok 3

Další na řadu přichází kolenní kloub, ten je možné si nejprve představit jako jednoduchou kouli. Pokud je cílem autora vykreslit osobu silnější a vypracovanější postavy, je nutné vytvořit širší a masivnější detaily kresby. 

Krok 4

Dalším krokem přichází na řadu spodní část nohy, tedy holenní kost. Tato část se nejprve rozšiřuje od kolena, poté se velmi hladce zužuje blíže ke kotníku.

Krok 5

V této fázi je nutné dokončit navyšování objemu celé dolní končetiny tak, aby již připomínala nohu člověka. Poté přijde na řadu vykreslení kotníků a zbytku chodidla.

Krok 6

Jakmile je celá noha v základu vyobrazena, přichází na řadu její detaily. Je nezbytné následovat jednotlivé tahy z předchozích kroků a nohou nyní udělat podrobně. Je důležité také nezapomenout zobrazit chodidla a prsty na nohou.

Krok 7

Nyní je zapotřebí pomocí gumy vymazat výkres veškerých pomocných čar. Na řadu přichází linie svalů a kolen. Je také možné zvýraznit linky tmavou tužkou nebo inkoustem.

Krok 8

V poslední fázi přichází čas na barvy, celý obrázek dolní končetiny by měl být vybarvený tělovým odstínem. Aby kreba nohy působila objemnějším a realističtějším dojmem, je možné přidat několik stínů a zvýraznění.

Líbil by se Vám tento článek, ale stále si nejste jisti, jak se sami pustit do díla? Přihlašte se do našeho Kurzu kreslení a malování pro úplné začátečníky! Naši zkušení lektoři Vás provedou jednotlivými technikami kresby a malby. Naučí Vás veškeré základy, které budete při své tvorbě potřebovat! 🙂 

https://www.drawplanet.cz/kurz/kurz-figuralni-kresby-portretu/

Tvoření webové stránky je jen o vašich uživatelích. Musíte si být vědomi svého publika a vybudovat kolem nich identitu své značky. Existuje tisíce způsobů, jak vylepšit přiblížit uživatelské prostředí vaše webu. Jednou ze strategií, se kterými se často setkáváme, je používání humoru a roztomilých prvků přidaných do stylu webu.

Co je spojené s humorem a roztomilostí? Je to jen o tom dělat si vtipy a být sarkastický? Je to něco mnohem víc. Pokud se rozhodnete vybrat si cestu humoru, dáváte vaší značce konkrétní nálepku a je potřeba být opatrný. Humor vám pomůže udělat skvělý první dojem vašeho uživatele a snadněji vám prošlape cestičku k němu.
Zde je vše, co potřebujete vědět, pokud chcete použít humor pro zlepšení uživatelského prostředí vašich webových stránek.

1. Vytvořte si maskota

Mít maskota reprezentujícího vaši značku je strategie, která existuje už od 50.let 20. Století.
Každý z nás jsme si užili sledování maskotů na obrazovce, kteří hovoří jménem značky, ať už je to Mr. Proper od Procter and Gamble, Nesquik nebo Michelin.
Jak můžete vidět, světově proslulé značky používají maskoty, aby vnesli do identity své značky trochu humoru. Používají je jako primární hlas značky a používají je v celé své globální marketingové kampani.

Pro příklad, podívejme se na M&M’s.
M&M’s maskoti jsou tu od roku 1995 a doposud se na nás nepřestávají smát.
Malí M&M’s vás na webových stránkách pozdraví pomocí vtipů nebo sarkastických komentářů.
„Vytvoření vtipného maskota, který všechny příchozí přivítá, vám pomůže probudit ve vašich uživatelích pobavené a uvolněné emoce. Kromě toho celý zážitek ze stránek pro ně bude nezapomenutelný, a to je přesně to, co chcete.“ říká Mariah Daley, psycholog a spisovatel.

2. Návnada

Humor můžete použít jako návnadu. Uživatelé tak vydrží na webové stránce o něco déle a „donutí“ je to provést vámi požadovanou akci.
Dosáhnete tak tím, že přes vstupem na webové stránky na uživatele vyskočí něco zábavného, tajemného nebo vtipného.
Skvělým příkladem je Cultivated Wit. Web o propojení komedie s technologií. Jakmile na něj vstoupíte, zobrazí se vám první 3 sekce a budete dotázáni, zda-li se chcete dostat do 4. A vtip je tady!

Díky tomu se přirozeně ušklíbnete a samozřejmě potvrdíte.

Nyní prostě musíte pokračovat, protože jste zvědaví, co bude dál. Později se vás budou ptát jaká je vaše superschopnost a jak to, že jste jim tak rychle prozradili vaše jméno. Tento celkově zábavný a chytlavý proces ve vás probudí chtíč být na jejich „straně“.

Skvělým příkladem užívání humoru, který se používá k přenosu důležité zprávy je od Slavery Footprint. Tento web se zabývá bojem proti dětské práci a otroctví v dodavatelských řetězcích. Podívejte se na úvodní stránku na jejich webovkách.

Tento druh formulace nutí většinu uživatelů rozhodnout se k dalšímu průzkumu. To následně vede k tomu, že se dozví více o poslání webu a o tom, jak se k němu připojit.

3. Stránka „O nás“

Humor má prokazatelně pozitivní účinky na náladu a paměť. To znamená, že si vtipné informace lze snadněji zapamatovat než ty, které nějaký vtip postrádají.
Vtipný web zapamatovatelnější.

Pokud si chcete udržet své uživatele a upoutat více pozornosti na svůj web, udělejte stránku „O nás“ vtipnou a zábavnou. Můžete se třeba rozhodnout vtipně popsat členy vašeho týmu a přiblížit se tak uživatelům.

Takhle to udělali Less Films.

Na své stránce „O nás“ mají super vtipné úvodní video, které vypráví příběh o jejich podnikání a přiměje vás k smíchu. Kromě toho mají vtipné obrázky všech členů týmu spolu s vtipnými fakty o jejich podnikání. Celá věc je ryzím potěšením pro uživatele, kteří ocení dobrý vtip a kvalitní humor.

Jak to dokázat?

Možná tohle všechno čtete, ale nevíte, jak to reálně použít? Nejste komik?
Pravdou je, že nemusíte být komik, abyste měli vtipný web. Je třeba však být chytrý a takticky uvažovat.
Tohle jsou věci, které musíte mít vždy na paměti.

Plánování
Každý krok, který uděláte, musí být naplánován dopředu. Jinými slovy, musíte si stanovit cíle.

Vaše publikum
Pro koho píšete? Weboví návrháři, tanečníci, majitelé zverimexů? Jaký druh humoru je pro ně vtipný?

„Pokud dokážete identifikovat vaše publikum a analyzovat údaje, které o nich máte, budete schopni pro ně vytvořit vtípky, které ocení.“ říká Randal Morris, vývojář webu v Citatior.

Informace
Pamatujte proč jste tady – předat zprávu a doručit konkrétnímu publiku konkrétní informace. To znamená, že by vaše vtipny neměly jen rozesmát. Musí být vysoce informativní a užitečné zároveň.

Dobře psát
Nepřeceňujte proces psaní. Brainstormujte vaše nejlepší nápady a uvidíte, co nejlepší vyplave na povrch. Pak to pěkně vyleštěte dokud to není to, co jste chtěli. Před zveřejněním se ujistěte, že jste je otestovali na přátelích a rodině.

Skvělé uživatelské prostředí je to, co vás odlišuje od jiných webových stránek zabývajících se stejnými službami nebo produkty. Musíte být jedineční a nezapomenutelní, aby se k vám lidé vraceli. Vtip vám toho pomůže dosáhnout.

Pokud zjistíte, že je vaše značka v souladu s vtipným webem – jděte do toho! Dopřejte svým uživatelům nezapomenutelný zážitek a ujistěte se, že mají úsměv na tváří pokaždé, kdy navštíví váš web.

„Grafický design se nikdy neohlíží zpět.“
– Steven Heller

Grafický design je obor neustálých změn. Technologie ovlivňují estetiku i to, jaký vliv má estetika na formu provedení. Jsou to myšlenky všeho druhu – komerční, filozofické i kritické – co určuje styly a postupy v běžné praxi grafického designu. V tomto článku se soustředíme na tři hlavní myšlenky, díky kterým má dnešní grafický design takovou podobu, jakou známe.

1. Pohyb

Bezpochyby nejrychleji rostoucí technikou je pohyb. Tato nová disciplína nastupuje na místo, kde se střetává film, video, animace a filmové intro a z každého si trochu půjčí. Grafika pohybu může být dokonce stejně důležitá jako typografie. Vizuální vyjádření zpěvu a tance je pro grafický design tím, čím jsou soundtracky pro němý film.
Titulní sekvence od Kyla Coopera pro film Sedm (Se7en) je jedním z nejbohatších příkladů moderní grafiky pohybu.

2. Zvuk

Saul Bass posunul filmová intra na vyšší level svou prací pro Alfreda Hitchcocka (Zdroj: Alfred Hitchcock Productions).

Více než přidání pohybu odpálilo grafický design do jiné dimenze přidání zvuku. První experimenty s tím, čemu se kdysi říkalo „vidět hudbu“, se shodovaly s programem zvukových kin z poloviny 20. let minulého století. Pohybová grafika si konečně přišla na své až v 60. letech, a to díky filmovému intru Saula Basse. Ten vytvořil pro Alfreda Hitchcocka sérii polo-abstraktních znělek, jejichž expresivní grafika byla v perfektní harmonii s repetitivními motivy hudební partitury skladatele Bernada Hermana. Od té doby se objevují stále hybridnější styly grafické animace.

Všechny formy designu vyjadřují aktuálnost, důležité je teď. V tomto smyslu je nezbytné zohlednit i druhou klíčovou myšlenku, která poukazuje na pozlátko modernosti, tzv. „nucené zastarávání“. Ve 20. letech 20. století se tomu říkalo „inženýrství stylů“ a šlo o to, aby produkty byly co nejstylovější a tím atraktivní pro spotřebitele. Propagátor reklamy a průkopník průmyslového designu Raymond Loewy tuto snahu slovem MAYA (Most Advanced Yet Acceptable neboli nejpokročilejší ale stále přijatelný). Princip MAYA prosazoval barvy a tvary, které odrážely hlavní myšlenku něčeho „nového a lepšího“, co však není svou novotou přespříliš šokující.

Pro většinu amerických designérů byl modernismus jen pytlem triků, díky kterým umělci dělali z nového ještě novější, a to včetně futuristického „dekorování“ za použití moderních fontů s lákavými jmény Cubist Bold či Novel Gothic. Nucené zastarávání bylo převlekem, který uměle stimuloval růst.

3. Barva
Práce Josefa Alberse s názvem Interaction of Color stála u zrodu psychedelického trendu (Zdroj: Josef Albers, muzeum Met).

Třetí myšlenkou je vibrující barva. V polovině šedesátých se díky umělci a studentu Bauhausu Josefu Albersovi objevil psychedelický styl. Prostřednictvím své práce Interaction of Color pomohl zahájit trend, který je typický svými psychedelickými plakáty a batikami vibrujícími barvou. Victor Moscoso, který studoval u Alberse na Yale a byl dalším ze zakladatelů vibrujících barev, prohlásil, že slavná Albersova cvičení s barevnými papíry se svou marností dají přirovnat k učení algebry na střední škole.

Psychedelici od základu překopali pravidla. Například z pravidla „nepoužívejte vibrační barvy“ se stalo „používejte je kdykoli a nešetřete jimi“. Ze zásady „písmo by mělo být vždy čitelné“ se stalo „zamaskujte písmena, ať jsou čitelná co nejhůře“.
Jedním z významných prvků Albersovy teorie byla relativita barev: barva se mění v přímém vztahu k jejímu okolí. Barva klame a nelze předpokládat, jak se bude chovat: tatáž barva může vypadat různě, protože nezáleží jen na samotné barvě ale i na tom, jaké barvy se nacházejí v jejím okolí. Vibrační barva byla urážkou smyslů a vehnala diváka do kinetického, dynamického vnímání dvourozměrného obrazu. V dnešní době je vibrační barva jen jedním z mnoha nástrojů na paletě ilustrátora.

Toto byly tři ze stovek nápadů, které změnily grafický design. V budoucnu bezpochyby dojde k dalším změnám. Změna je život!

Zdroj: Steven Heller je autorem celé řady publikací o grafickém designu.
Tento článek byl poprvé publikován v 294. čísle časopisu Computer Arts, nejprodávanějšího časopisu o designu na světě.

Díky těmto správným typům přeměníte svůj Instagram v aktivní prostředí. Instagram již není pouze aplikací pro sdílení obrázků, vyvinul se z něj nesmírně užitečný nástroj, který umožňuje kreativním lidem z různých oborů předvést svou práci potenciálně velkému publiku.

Pochopení toho, jak správně využít rostoucí popularitu Instagramu a zapojení se do této stále rostoucí komunity, může umělcům a ilustrátorům  vynést nemalé dividendy. Čím větší publikum, tím větší výhody. Avšak pouhé sbírání “Likes” již nestačí, zejména proto, že Instagram jejich možnost přiřazení postupně vypíná.

Rostoucí instagramová angažovanost vyžaduje bystré oko, zajímavý pohled na věc a skutečnou vášeň pro to, co děláte (a samozřejmě jednoduché triky, jako je například změna písma ve vašem profilovém popisku). Pro ty, kteří nemají dostatek času, naštěstí Instagram nezabere tolik plánování.

Několik kreativních profesionálů, se s vámi podělí o své nejlepší rady ohledně budování a udržování publika na Instagramu. Přečtěte si jejich základní tipy a triky. 🙂

1. Sdílejte své pracovní postupy

Animační studio Animade ve východním Londýně má 148 tis. sledujících a používá Instagram převážně jako platformu ke sdílení části práce, na kterou je tým nejvíce hrdý, a také ke sdílení informací o tom, jak věci vytvářejí. „Je to místo, kde můžeme předvést svou lásku k řemeslu, sdílet znalosti a vyzkoušet některé z našich menších, podivnějších experimentů,“ říká Amy Egan, vedoucí marketingu.

Animade zveřejňuje mix projektů práce s klienty a hotových animací. Často sdílí nedokončenou práci nebo práci za scénami, které by podle týmu mohly být zajímavé. To zahrnuje i animované ukázky toho, jak byl konkrétní kus vytvořen, které se ukázaly jako velmi populární.

„Měli jsme klienty, kteří se s námi spojili ihned poté, co viděli konkrétní příspěvek na Instagramu”

Snažíme se zveřejňovat příspěvky tak často, jak je to jen možné, abychom se vyhnuli nepříjemným okamžikům ticha, kdy se na našem instagramovém profilu nic neděje.”

2. Vyberte klíčová témata a držte se jich

Ilustrátorka Rosi Tooth, která má kolem 9 tis. sledujících, doporučuje dodržovat několik jednoduchých pravidel. Konzistence témat je pro ni klíčová zejména kvůli vybudování publika, které ji bude nadále sledovat. „Interakce a porozumění vašemu publiku, důsledné vytváření obsahu, který je v souladu s vaším charakterem a hlavně práce, kterou milujete,“ vysvětluje. „Pro mě je skvělý účet účet především autentický; Příspěvky, které mají nejen jedinečné styly, ale také umělce charakterizují“.

3. Vytvořte si svůj vlastní prostor

Od roku 2011, kdy se Timo Kuilder-ilustrátor z Amsterdamu přihlásil na Instagram, nasbíral více než 32tis. následovníků. Vytvořil si na Instagramu stabilní prostředí pro své postavy. 

„Instagram jsem začal používat spíše jako skicák Jednou za čas sdílím tisky, práci v procesu nebo časosběrná videa”. Kuilder říká, že klíčem k úspěchu je se hlavně pracemi bavit. ”Sdílím spoustu stylových anket a malých nápadů nebo náčrtů. Instagram se stal náhledem do mého skicáku. Prostě si vytvořte svůj vlastní prostor, svou soukromou galerií, kde vám nikdo nebude říkat, co  a jak máte dělat.”

Japonský umělec Hisham Akika Bharooch, se pyšní s více než 96 tis. sledujícími. „Všechno, co dělám je, že jsem skutečný.“ Vše je prostě můj vlastní styl a lidé to oceňují.“

4. Nepřehánějte stylizaci příspěvků

Umělec Bharoocha pracuje především na kolážích, nástěnných malbách, instalacích a hudební performance. „Příspěvky zveřejňuji v době, kdy mám pocit, že většina lidí je na svých zařízeních.“ To je obvykle kolem polední přestávky, večer po práci a o víkendu dopoledne.

„Moje strategie je jen umocnit věci, které miluji. Neřekl bych, že moje příspěvky jsou nějakým způsobem záměrné, jsou pouze odrazem mě samotného.

Také dodává, že někteří lidé si příliš zakládají na extrémní stylizaci příspěvků. „Je mnoho lidí, kteří se bojí, že nedostanou dostatek lajků.“ Pokud se vám to líbí a něco to pro Vás znamená, zveřejněte to. Velmi stylizované příspěvky mě osobně nudí.”

5. Experimentujte s aplikacemi

Kreativcům, kteří chtějí vytvořit ucelený dojem svého Instagramového účtu, pomáhají například aplikace na úpravu obrázků udržovat konzistentní paletu barev na fotografiích.  Těchto aplikací využívá i Daisy Emersonová, která má více než 23 tis. sledujících. „Jsem velmi obezřetná v tom, co zveřejním. Obrázky upravuji tak, aby byly v souladu se zbytkem publikovaných prací.

6. Najděte svou zvláštnost

„Přemýšlejte o tom, co děláte jinak,“ říká Egan. „Není to něco, co jsme plánovali, ale všimli jsme si, že některé z našich přirozeně podivnějších projektů přitahují více pozornosti. Příkladem je Ricardův příspěvek “Zalévání rostlin”, ve kterém zvláštní charakter, vyživuje rostlinu v nějaké high-tech křeččí kleci“ s nečekaným zvratem. Video bylo přehráno 2,2 milionkrát a získalo 480 komentářů.

7. Budujte svou komunitu

Pokud se opravdu snažíte rozšířit své publikum, vyplatí se investovat čas do skutečných konverzací, říká Bharoca. Komunikace s lidmi, kterými jste inspirováni a s kterými cítíte spojení, způsobí větší angažovanost na vašem vlastním Instagramu. 

„Dělám to proto, že chci, aby lidé věděli, zda se mi jejich práce opravdu líbí“ říká  Bharoca. „Lidé se často podívají na vaši práci a rozhodnou se, zda chtějí sledovat váš účet na základě vašich interakcí s nimi. Lidé, kteří se konverzacemi nezabývají působí sobecky.” dodává.

8. Vyhněte se zdlouhavým popiskům

Obsah Instagramu studia Animade odráží vášeň a energii studia. „Naším cílem je především otevřenost. Sdílením detailních procesů práce a experimentů. A nejen pro lidi z oboru; například naše edukační videa jsou zaměřena na dekódování žargonu animace pro širší publikum způsobem, který je zábavný a poutavý. Necháváme práci mluvit za sebe a vyhýbáme se zdlouhavým popisům. “

9. Přidejte hodnotu

Kromě své úspěšné umělecké praxe buduje svou komunitu na Instagramu Hom tím, že sdílí rady a představy o oboru, a provádí týdenní výzvu „Hom-work“. Zve tak umělce a ilustrátory, aby se zúčastnili a vytvořili dílo v reakci na téma, které vybrala.

„Skvělý instagramový účet je něco, co přináší hodnotu a zůstává konzistentní. Znamená to, že ten, kdo tě sleduje, s jistotou ví, co může očekávat,“  konstatuje Hom. 

10. Najděte rovnováhu

Spoléhat se na propagaci své práce pouze na sociálních sítích není bez rizika. Navzdory jejímu úspěchu, Hom nesouhlasí s tím, že by Instagram byl nezbytný pro její design. „Instagram je jen jedna z možností, jak sdílet své portfolio a pracovat. Nemyslím si, že je to jediná možnost, a nemyslím si, že by to měli takto vnímat začínající ilustrátoři a návrháři, “přiznává. „Na konci dne je důležitější vaše portfolio, pohled na věc a osobnost. Instagram je jen zprostředkovatel.”

Sociální platformy přicházejí a odcházejí. „Myslím, že pokud jako vizuální umělec / ilustrátor zjistíte, kdo jste a co vás nadchne, povede se vám na jakékoli sociální platformě dobře.“ dodává Hom. „Začala jsem na Tumblru asi před sedmi lety, ale od té doby už to není, co bývalo. Zatímco Instagram je nyní ta velká věc, kdo ví, co budeme dělat za dalších sedm let.“ To nejlepší, co můžete udělat je, soustředit se na rozvoj své práce a svého osobního stylu“, dodává Hom.