#malovani

Proporce jsou tím, co může vaši kresbu buď učinit skutečně harmonickou, nebo vytvořit dojem, že něco není v pořádku. Pokud jste si někdy všimli, že postava působí trochu nepřirozeně, nebo že krajina vypadá rozbitá na neslučitelné části, pravděpodobně jde o narušené proporce. Jak to ale napravit a naučit se vnímat správné proporce?

Začněte s měřením

I když kreslení může být vnímáno jako tvořivý a svobodný proces, je důležité nejprve pochopit základní pravidla měření. Například při kreslení lidské postavy je dobré vědět, že výška těla by měla odpovídat přibližně 7–8 výškám hlavy, a šířka ramen zhruba dvěma šířkám hlavy. Použití těchto základních měřítek vám pomůže zachovat realističnost, i když kreslíte stylizovaně.

Zdroj obrázku

Kreslete pomocí jednoduchých tvarů

Než se ponoříte do detailů, zkuste nejprve zjednodušit objekty na základní geometrické tvary. Například lidské tělo lze rozdělit na válce, krychle a koule. Tento přístup vám umožní lépe pochopit, jak části spolu souvisejí, a zachovat rovnováhu v kompozici.

Zdroj obrázku

Použijte mřížku

Mnoho umělců používá mřížku, aby lépe viděli proporce objektů na papíře. Tuto metodu můžete použít při tradičním i digitálním kreslení. Mřížka vám pomůže zajistit, aby velikosti různých částí odpovídaly a každá z nich byla na správném místě.

Použijte zrcadlový odraz

Může to znít zvláštně, ale zkuste se na svůj výkres podívat v zrcadle nebo jej převrátit v grafickém programu – pomůže vám to odhalit chyby, které jste předtím přehlédli. Symetrie a rovnováha proporcí jsou často viditelnější, když se na dílo podíváte z jiného úhlu.

Reference a anatomie

Nebojte se studovat reálné obrázky nebo anatomické schémata, protože proporce závisejí na anatomii a skutečné struktuře. To vám pomůže nejen kopírovat, ale i pochopit, jak se tělo nebo objekt skládá, abyste toto poznání mohli sebejistě aplikovat v jakémkoli stylu – od realismu po karikaturu.

Například by vás mohla zaujmout kniha Bryana Curtise „Drawing from Observation: An Introduction to Perceptual Drawing“, která se zaměřuje na pozorování a přesné ztvárnění proporcí.

Procvičujte rychlé skici

Jedním z nejlepších způsobů, jak zlepšit cit pro proporce, je pravidelná praxe rychlých náčrtů. Ty vám pomohou zachytit dynamiku a proporce pohybu, naučí vás v několika sekundách vystihnout klíčové momenty póz nebo kompozic.

Pokud se naučíte správně vnímat a chápat proporce, vaše práce budou působit sebejistěji a harmonicky a samotný tvůrčí proces vám přinese více radosti. Přihlaste se také na naše online kurzy kreslení pro začátečníky a proporce vám půjdou snadno!

Práce s olejovými barvami vyžaduje rozsáhlé znalosti materiálů a také trpělivost, protože proces tvorby obrazu se může protáhnout na týdny nebo dokonce měsíce. Pojďme si proto představit základní a nejzajímavější techniky, které vám pomohou zvládnout olejomalbu a rozvinout svůj umělecký potenciál.

Alla prima

Jednovrstvá technika známá jako alla prima, což doslova znamená „na první pokus“, je ideální pro ty, kdo rádi pracují rychle a spontánně.

Obrazy vytvořené touto technikou vznikají během jednoho sezení, dokud jsou barvy ještě vlhké. Umělci často míchají barvy přímo na plátně, což umožňuje vytvořit nečekané odstíny a výrazné tahy štětcem. Tato technika pomáhá zachovat svěžest a energii původního nápadu, což ji činí oblíbenou mezi mnoha umělci usilujícími o dynamické a expresivní výsledky.

Mějte však na paměti, že barvy v alla prima nezasychají mezi vrstvami a snadno se mísí, což může vést k nečistotám. Abyste tomu předešli, kontrolujte množství barvy a sledujte, jak se nanáší na plátno.

Vícevrstvá technika

Pokud dáváte přednost pečlivějšímu přístupu, vyzkoušejte vícevrstvou techniku. Tento postup vyžaduje postupné nanášení barev a důkladné zaschnutí každé vrstvy.

Začíná se podmalbou – základní vrstvou barvy, která tvoří podklad pro další vrstvy. Poté následuje postupná práce na detailech a barvách, dokud není dosaženo požadovaného výsledku.

Hlavní výhodou této techniky je možnost jemného dolaďování barev a textur v každé fázi. Díky tomu umělec dosáhne hloubky a realističnosti, které jsou u jednovrstvé techniky obtížně dosažitelné.

Lazura

Lazurování je technika nanášení tenké vrstvy barvy na zaschlou vrstvu. Používají se transparentní nebo poloprůhledné barvy, které umožňují vytvářet mnohorozměrné odstíny a jemné přechody. Tato metoda je obzvláště účinná při práci s pleťovými tóny, oblohou nebo vodními plochami, kde je důležitá jemná hra světla a stínů.

Tenká vrstva lazury dokáže vytvořit iluzi hloubky a lesku. Například nanesením průhledné barvy na tmavší podklad lze dosáhnout efektu zářivého objektu. Pamatujte však, že lazura vyžaduje trpělivost – každá vrstva musí důkladně zaschnout, než nanesete další.

Impasto

Pro vytváření objemných a texturovaných obrazů je vhodná technika impasto. Barva se nanáší v hustých vrstvách, čímž se vytváří efekt trojrozměrnosti. Základními nástroji jsou široké štětce, špachtle a paletové nože.

Impasto je ideální pro vyjádření textury – například drsného povrchu zdi, hrubé látky nebo země. Tuto techniku používali mistři jako Vincent van Gogh k zdůraznění energie tahů a dynamiky obrazu.

Tlusté přes tenké

Pravidlo „tlusté přes tenké“ je základním principem vícevrstvého malování. Na začátku práce se používají velmi zředěné barvy, které vytvářejí tenké a lehké vrstvy, poté postupně přechází umělec k hustším vrstvám, přidávajícím objem a hloubku. To pomáhá předcházet vzniku trhlin na hotovém díle, protože tenké vrstvy schnou rychleji než husté.

Tento postup poskytuje svobodu pro experimenty s texturami a umožňuje vytvářet vícevrstvé obrazy bez rizika poškození finálního zobrazení.

Mokré do mokrého

Tato technika, oblíbená mezi krajináři, spočívá v nanášení nových vrstev barvy na ještě vlhké vrstvy. Umožňuje plynulé přechody a jemné gradienty, což je ideální například pro tvorbu oblohy nebo pozadí.

Protože je však klíčové, aby barvy zůstaly vlhké, je třeba pracovat rychle. Výsledek však často stojí za to – obrazy působí jemně a harmonicky.

Suchý štětec

Technika suchého štětce znamená nanášení barvy na plátno s minimálním množstvím ředidla. Tím se dosahuje ostrých linií a precizních detailů. Metoda je ideální pro vytváření textur, jako je nerovný povrch kamene nebo srst zvířat.

Efekt suchého štětce lze také kombinovat s jinými technikami pro zvýraznění kontrastu a detailů.

Každá z těchto technik je jen nástroj, který vám pomůže rozvinout váš umělecký potenciál. Nebojte se je kombinovat, experimentovat a přizpůsobovat je svému stylu – stanou se vašimi pomocníky, nikoli omezeními.

Více o těchto a dalších technikách se můžete dozvědět v našich online kurzech!

Mnoho začínajících umělců si klade otázku, proč vůbec vyrazit na plenér, když si mohou krajinu jednoduše vyfotit a malovat doma podle fotografie? Ano, je to jednodušší. Pokud se ale chcete v umění posouvat, plenér je jedním z nejlepších způsobů, jak růst. Přímý kontakt s přírodou vám umožní zachytit ty nejjemnější nuance barev, světla a stínu, které fotoaparát často ztrácí.

Jak se na plenér připravit?

Abyste mohli vyrazit na plenér, potřebujete alespoň základní sadu vybavení, materiálů a nástrojů. Plánování je v tomto případě váš nejlepší přítel. Důležité je nejen vzít potřebné umělecké pomůcky, ale také myslet na své pohodlí venku. Zde je několik věcí, na které byste neměli zapomenout:

• Oblečení podle počasí. Vícevrstvé oblečení vám umožní přizpůsobit se proměnlivým podmínkám. Obuv by měla být pohodlná na delší procházky.
• Základní potřeby. Nezapomeňte na pokrývku hlavy proti slunci v létě, opalovací krém, repelent proti hmyzu, vodu a lehkou svačinu.
• Umělecké pomůcky. Podle techniky, ve které pracujete (grafika, akvarel, olejomalba), budete potřebovat různé nástroje. Základní sada zahrnuje malířský stojan, papír nebo plátno, tužky či štětce a paletu a vodu na práci s barvami.

Jak vybrat místo k malování?

Není nutné mít místo vybrané předem. Někdy je lepší se procházet a nechat se inspirovat na místě. Důležité je, aby vás vybraný pohled inspiroval – může to být strom, kopec nebo celá krajina. Pomoci si můžete hledáčkem nebo, pokud jej nemáte, vytvořte si rám rukama, abyste snadněji zachytili požadovaný záběr.

Ideální místo je takové, kde se budete cítit pohodlně a příjemně. Pokud je v okolí altán nebo přístřešek, poskytne vám ochranu před deštěm či sluncem. Ve městě mohou být skvělé parky a náměstí, kde si můžete vyzkoušet malovat architekturu nebo lidi.

Kdy je nejlepší čas na plenér?

Léto, jaro a začátek podzimu jsou ideální období pro plenér. Na jaře příroda ožívá, objevují se nové barvy, na podzim zase krajina září teplými odstíny. V létě je příjemné pracovat brzy ráno nebo později odpoledne, kdy už není takové horko a světlo je měkčí.

V zimě je plenér možný, ale je třeba se připravit na chlad, který ovlivňuje nejen vás, ale i vaše materiály.

Volba ročního období a denní doby závisí na tom, jakého efektu chcete dosáhnout, a také na vašich preferencích.

Nezapomínejte na bezpečnost

Pokud pracujete sami, je velmi důležité dát vědět svým blízkým, kde se nacházíte. Mějte vždy u sebe nabitý telefon a ideálně i powerbanku. Vyhýbejte se příliš odlehlým místům a pokud vám někdo připadá podezřelý, změňte lokaci nebo se snažte nezahajovat konverzaci. Zůstaňte zdvořilí, ale opatrní.

Plenér není jen technika, ale proces, který vám umožní ponořit se do okolní přírody a vidět svět novýma očima.

Více užitečných rad a tipů se můžete dozvědět na našich online kurzech!

Než začnete kreslit srst, je důležité si uvědomit, že srst není jen textura, kterou stačí “natřít” přes celý obrázek. Je to složitá struktura složená z tisíců jemných čar, a každá má svůj význam. Správně zobrazit srst je jako zachytit světlo, stín a pohyb na jedné ploše. Je třeba hodně cvičit, získat zkušenosti a naučit se několik technik, které vám pomohou srst realisticky vykreslit.

Pochopení struktury srsti

Když se podíváte na zvíře, můžete si všimnout, že srst často neleží rovnoměrně po celé ploše těla. To je způsobeno mnoha faktory, například tvarem těla, svaly nebo pohyby zvířete. Hlavním úkolem je určit směr růstu srsti a rozdělit ji na části (například srst na krku, zádech, tlapách a ocase), protože každý z těchto dílů může mít jiný směr růstu.

Představte si tygra. Srst na jeho hlavě bude krátká a hustá, zatímco na hrudi bude delší a nadýchanější. Vyberte si jiné zvíře a zkuste nakreslit jednotlivé části jeho srsti s různou délkou, zohledňujíc umístění svalů.

Pohyb a dynamika

Srst je vždy ovlivněna pohybem těla zvířete. Když se zvíře otočí nebo ohne, srst reaguje tím, že se zvedá, sklání nebo přesouvá na stranu. Aby toto bylo zobrazeno na kresbě, je důležité, aby každá linie byla součástí pohybu jako velký proud.

Pokud kreslíte zvíře v pohybu, srst by měla vypadat dynamicky. Například když vlk běží, srst na jeho hrudi a tlapách letí dozadu, čímž zdůrazňuje rychlost a sílu jeho pohybu.

Světlo a stín

Srst má složitou texturu, a pokud se správně nepracuje se světlem, může vypadat ploše. Světlo a stíny na ni dopadají různě podle délky, hustoty a směru srsti. Dlouhá srst vytváří více stínů, zatímco krátká vypadá leskleji a hladce.

Začněte s lehkým stínováním, abyste vytvořili obecné stíny, a postupně přidávejte detaily pro strukturu srsti. Používejte jemné přechody mezi světlem a stínem, abyste vytvořili objem.

Technika stínování

Nepokoušejte se hned kreslit všechny malé detaily. Začněte s velkými tvary a postupně přecházejte k detailům. Toto vyžaduje trpělivost – nejprve zakreslete obecné směry růstu srsti a poté přidávejte jednotlivé pramínky.

Různé typy srsti

Různá zvířata mají různou strukturu srsti: medvěd má hustou a nadýchanou, kůň hladkou a krátkou, liška lehkou a měkkou. Toto vše by vám mělo pomoci nakreslit realistický obrázek.

Zkuste cvičení: nakreslete několik zvířat s různou délkou srsti. Například porovnejte krátkou srst geparda s dlouhou a nadýchanou srstí huskyho.

Nebojte se experimentovat

Srst může být realistická, ale i stylizovaná. Někdy může experiment s barvami, liniemi a tvary dodat kresbě více výrazu. Zkuste například vykreslit texturu srsti pomocí tečkování, vlnitých linií nebo techniky rozmazání.

Tím, že rozvíjíte své dovednosti v kreslení srsti, naučíte se lépe chápat a cítit textury.

Více užitečných tipů najdete na našich online kurzech! Můžete se například přihlásit na online kurz akvarelu pro začátečníky a dozvědět se více.

Pokud jen mechanicky kopírujeme fotografie nebo kresby, naše dovednosti jako umělců se nevyvíjejí – spíše naopak, brzdí to náš růst. Jak tedy pracovat s referencemi tak, aby to nebylo jen prosté kopírování, ale tvůrčí proces, který přináší něco vlastního? Pojďme se na to podívat.

Proč jsou reference vůbec potřebné?

Postupem času se nám v hlavě “zaseknou” určité stereotypy – například že obloha je modrá, liška zrzavá a podobně. Ve skutečnosti je to však trochu složitější. Když si představíme nějaký objekt, vybavíme si jen jeho základní rysy a tyto zakořeněné stereotypy, zatímco detaily nám často unikají.

Detaily jsou ale to, co dělá kresbu živou. A právě reference nám pomáhají vyplnit mezery v paměti a uvidět to, co často přehlížíme: ohyby, proporce, světlo a stíny, textury.

I zde je však důležitý jeden bod – nestačí se jen dívat na obrázek, ale je třeba ho analyzovat. Většina začátečníků vnímá referenci jako objekt pro přesné kopírování. To je chyba. Smysl takového kopírování je malý: nestudujete tvar, nepamatujete si principy a nezlepšujete své dovednosti. Užitečnější je analyzovat a interpretovat to, co vidíte, než kreslit vše “podle šablony”.

Jak tedy pracovat s referencemi správně?

Hlavní pravidlo – nekopírujte, ale měňte úhel pohledu. Je to jako vizuální gymnastika pro mozek, aby se naučil vidět objekt z různých stran.

Představte si, že se díváte na objekt přes neviditelnou kameru a můžete s ní pohybovat, otáčet objekt o 30 nebo 60 stupňů. To rozvíjí schopnost analyzovat tvar a tvořit objekty v prostoru. Možná vaše kresby na začátku nebudou ideální – důležitější je samotný proces analýzy.

Praktické cvičení

Vezměte si jednoduchý předmět, třeba hrnek nebo jablko, a pokuste se ho nakreslit z různých stran. Jeden úhel můžete vzít z reference, ostatní si vymyslete sami. Takové jednoduché cvičení vám pomůže lépe chápat tvar a rozvíjí prostorové myšlení. Čím více budete pracovat s různými úhly, tím snáze pak budete kreslit objekty z hlavy, aniž byste se museli držet jednoho obrázku.

Základ, který je třeba znát

Je důležité říct, že práce s referencemi je nemožná bez základních znalostí kresby. Abyste mohli referenci správně využít, musíte rozumět pojmům jako lineární perspektiva a světlo a stín.

Je to jako abeceda v jazyce: můžete kopírovat písmena, aniž byste chápali slova, nebo se naučit pravidla a začít vytvářet vlastní díla. V tomto případě vám pochopení perspektivy umožní kreslit objekty v prostoru a správná práce se světlem a stíny přidá realistický dojem prostřednictvím hry světel a stínů.

Specifika práce s fotografiemi

Zajímavé je, že kreslení podle fotografií je samostatná dovednost. Začátečníci často kopírují všechny chyby fotografie: zkreslení kamery, nevhodné osvětlení nebo postoj modelu, což často vede k tomu, že kresba vypadá “bez života”.

Náš tip: analyzujte fotografii, ale snažte se přitom měnit úhel pohledu nebo dokonce osvětlení, aby obrázek nepůsobil ploše. Pokud je například osoba vyfocena z tří čtvrtin, zkuste ji nakreslit z profilu, přičemž studujte proporce obličeje a tvar hlavy.

Shrnutí

Díky referencím se učíte vidět detaily a zvláštnosti objektů, ale pouze pokud pracujete na analýze tvaru a nebojíte se odchýlit od originálu.

Pamatujte si tedy, že vaším hlavním úkolem při práci s referencemi není kopírovat svět, ale lépe mu rozumět. Pokud je analyzujete, přizpůsobujete si je a učíte se z každého obrázku lépe rozpoznávat detaily, proměníte reference ve svůj nový nástroj pro kreativitu, nikoli v hvězdu, která vás může zavést do slepé uličky.

Vydejte se s námi na cestu světem umění:
– Sketching v Praze
– Sketching v Brně
– Sketching v Ostravě

Malování květinových kompozic akvarelem je o náladě a emocích, které můžeme vyjádřit barvami a tvary, kde každý květ působí jako postava v celkové scéně. Proto je důležité nejen zvládnout samotnou kresbu květin, ale také umět je správně kombinovat, aby spolu harmonicky ladily a vytvářely ucelenou kompozici. Pojďme si krok za krokem ukázat, jak začít s takovou kompozicí.

Začněme hlavní myšlenkou

Každá kompozice začíná myšlenkou. Můžete zvolit kytici lučních květin, jemné zátiší s růžemi nebo dokonce začít abstraktnější fantazií. Nejdříve se zamyslete, jakou náladu a emoci chcete svým dílem zprostředkovat.

Poté určete hlavní akcent své kompozice: může to být velký, výrazný květ uprostřed, zatímco ostatní prvky budou hrát doplňující roli. Toto rozhodnutí pomůže vyvážit celou kompozici.

Práce s tvary

Ve fázi náčrtu se zaměřte na základní tvary a vyhněte se detailům – stačí si rozvrhnout rozmístění květin pomocí oválů a kruhů. Tím získáte lepší představu o celkové kompozici a zajistíte, že nebude ani přeplněná, ani příliš prázdná. Nezapomeňte ponechat mezi květinami prostor, aby obraz mohl „dýchat“.

Přechod na kontury

Když máte jasno o základním rozvržení, můžete začít s jemnými konturami. U akvarelu je lepší vyhnout se příliš výrazným liniím, aby obraz nepůsobil těžkopádně – kreslete jemně a lehce.

Začněte většími prvky, jako jsou květy a listy, a až poté přejděte k menším detailům. Nedělejte si starosti s dokonalou symetrií – květiny jsou od přírody mírně asymetrické, což je činí přirozenými.

Technika mokré na mokré

Jednou z hlavních vlastností akvarelu je práce na vlhkém povrchu. Před nanesením barvy lehce navlhčete papír, ale vyhněte se místům, kde chcete vytvořit výraznější stíny nebo akcenty. Barva se tak bude jemně rozpíjet a vytvoří měkké přechody. Tato technika je ideální pro jemné lístky nebo rozostřené pozadí.

Práce s barvami

Květinová kompozice je o hře barev. Důležité je vybrat odstíny, které se budou vzájemně doplňovat.

Doporučuji začít světlými, jemně zředěnými odstíny a postupně přecházet k intenzivnějším tónům. Akvarelové barvy jsou průhledné, takže se často míchají přímo na papíře.

Detaily a vyvážení

Jakmile jsou hlavní barevné plochy naneseny, přidejte detaily. Akvarel nevyžaduje přemíru detailů, a proto je lepší některé části kompozice nechat rozmazané a jinde zvýraznit linie, které přitáhnou pozornost.

Na závěr můžete přidat lehké akcenty – například jemnými tahy štětce vytvořit trávu, lehké stíny nebo drobné skvrnky barvy. Tyto detaily dodají obrazu dynamiku a život.

A je hotovo! Pokud se vám tentokrát vše nepovedlo podle představ, nezoufejte – můžete to zkusit znovu a zdokonalovat své dovednosti.

Nebo se přihlaste do našich online kurzů akvarelu pro začátečníky, kde se naučíte ještě víc.

Víte, co mají společného Cyrano z Bergeracu, Buratino a Voldemort? Ano, nosy, které často určují jejich charakter. Podívejme se, jak tento zdánlivě jednoduchý prvek obličeje proměnit v silný nástroj pro vytváření výstižných postav.

I když vypadá na první pohled jednoduše, zachytit nos správně je náročnější, než se zdá, protože nemá jasně vymezené okraje a linie jako oči nebo ústa. Jeho tvar však hraje klíčovou roli při vyjádření charakteru a proporcí obličeje.

1. Začněte od základního tvaru

Nejprve si představte a náčrtně nakreslete nos jako jednoduchý geometrický útvar – trojrozměrný lichoběžníkový blok, který se zužuje směrem k špičce. Tento základní tvar vám pomůže nos správně umístit na obličej a zachytit perspektivu. Nepospíchejte s detaily – nejprve je důležité určit objem.

2. Určete umístění nosních dírek a křídel

Nosní dírky jsou důležitou částí nosu, kterou lze snadno přehnat. Aby se tak nestalo, začněte s tenkými liniemi, které označí, kde se nacházejí nosní dírky a křídla nosu. Jsou symetrické, ale ne identické, proto je důležité zachytit jejich přirozenou odlišnost.

Zdroj obrázku

3. Přidejte stíny a světlo

Nos je v podstatě hra světla a stínu. Vyčnívající část zachytává světlo, zatímco stíny na bocích dodávají hloubku.

Použijte jemné tahy pro stíny, abyste vystihli zaoblenost a objem nosu. Zaměřte se na stíny pod nosem a kolem nosních dírek, tyto oblasti přidávají práci na realismu.

Zdroj obrázku

4. Zpřesněte tvar špičky nosu

Každý člověk má jedinečný tvar špičky nosu – někteří mají ostřejší, jiní zaoblenější. Zachyťte tyto individuální vlastnosti pomocí jemných zakřivení, aniž byste použili příliš ostré linie.

Pamatujte, že tato oblast nosu je jedna z nejsvětlejších, proto ji nepřekreslujte příliš tmavou.

5. Dokončete detaily a hladké přechody

V posledním kroku věnujte pozornost detailům: přidejte hladké přechody mezi světly a stíny, vykreslete stíny v prohlubních kolem nosních křídel. Pokud chcete vytvořit hyperrealistický efekt, můžete přidat texturu pokožky pomocí drobných čar nebo teček, ale nepřehánějte to. Jemnost tahů je klíčem k úspěšné práci.

Zdroj obrázku

Pamatujte, že kreslení nosu není jen přidání dalšího detailu k portrétu. Je to možnost vdechnout vašim postavám život a charakter. S každým novým náčrtkem lépe pochopíte, jak jej nakreslit tak, aby působil přirozeně a harmonicky na tváři.

Více užitečných rad o kreslení nosu a celého portrétu najdete na našem online kurzu portrétní malby pro začátečníky.

Pastel není jen barva v tyčince; je to nástroj, který umožňuje vytvářet jemné, hluboce emocionální obrazy. Abychom však zvládli kresbu pastely, musíme znát několik klíčových technik, které nám pomohou odhalit její plný potenciál.

Šrafování pro texturu

Tato technika se může zdát jednoduchá, ale její provedení je zásadní.

Při použití této techniky kreslete krátké nebo dlouhé čáry jedním směrem a postupně vrstvěte barvy. Čím více vrstev vytvoříte, tím zajímavější textura vzniká – od hladké po drsnou. Šrafování je skvělé pro zobrazení textur jako srsti, vlasů nebo tkaniny.

Rozmazávání prstem nebo třecí tyčinkou

Výhodou pastelu je, že jej lze snadno měkčit. Pomocí prstu nebo speciálního třecího nástroje (třecí tyčinky) můžete jemně míchat barvy a vytvářet tak přechody a stíny. Dávejte však pozor – přílišné rozmazání může vymazat detaily a oslabit sytost barvy.

Vrstvení

Pastel umožňuje nanášet jednu barvu přes druhou a dosáhnout tak požadovaného odstínu. Je důležité začít světlejšími vrstvami a postupně přecházet k tmavším. Tato technika je užitečná, pokud chcete zachytit hloubku oblohy nebo mnohovrstevné stíny.

Puntíkování nebo tečkovací technika

Tato metoda, známá díky impresionistům, se efektivně využívá i u pastelů. Naneste na papír malé tečky různých barev, abyste vytvořili optické míchání barev. To dodá obrazu živost a dynamičnost.

Technika teček je ideální pro zachycení světla, odrazů nebo drobných detailů – například textury kamene nebo listů na stromech. Čím menší jsou tečky a více vrstev použijete, tím zajímavější bude výsledek.

Více o puntíkování jsme psali dříve, podrobnosti najdete zde: https://www.drawplanet.cz/pointilismus/.

Křížové šrafování

Pokud chcete vytvořit složitější textury nebo hloubku v díle, zkuste křížové šrafování. Kreslete čáry jedním směrem a pak je překřižte pod úhlem. To přidá kresbě hustotu, což je obzvláště užitečné při zobrazení stínů nebo objemných ploch.

Technika „vyškrabávání“ nebo grattage

V této technice naneste silnou vrstvu pastelu a poté pomocí čepelky nebo speciálního škrabátka jemně odstraňte horní vrstvu. Tím vytvoříte jemné linie, které lze použít pro odlesky nebo textury, například odrazy světla na vodě.

A samozřejmě, jak rádi říkáme – nebojte se experimentovat! Každý pastelový tah je odrazem vašeho osobitého stylu a čím více zkoušíte, tím lépe jej rozvíjíte a cítíte tento materiál.

Pokud žijete v Praze, můžete se zúčastnit našeho kurzu kresby pastely pro začátečníky. Máme také online kurz kresby pro všechny, kde učíme tvořit nádherná díla pomocí tužky, inkoustu nebo právě pastelu – těšíme se na vás!

Zachytit oko tak, aby vypadalo realisticky, je jedním z nejtěžších, ale zároveň nejuspokojivějších úkolů při kreslení. Oko není jen tvar, ale také hloubka, lesk, hra světla a stínů, které oko oživují. Pojďme se podívat, jak toho lze dosáhnout!

1. Základní obrys

Začněte lehkým náčrtem tvaru oka. Je důležité si uvědomit, že oko není dokonalý ovál, ale složitější tvar. Horní linie víčka se mírně ohýbá dolů k okrajům, zatímco spodní linie je vždy měkčí a tenčí.

Jakmile obrys máte, naznačte umístění zornice a duhovky – měly by být přesně uprostřed oční bulvy, i když pohled směřuje do strany.

2. Řasy a tvar víček

Dalším krokem je vykreslení víček. Horní víčko je obvykle výraznější a mělo by mít viditelnou tloušťku, zatímco spodní víčko je méně patrné. A až poté, co jste dokončili víčka, můžete přidávat řasy.
Důležité: řasy rostou ve shlucích a nejsou stejné délky, zakřivují se od víčka a směrem ke konci se ztenčují.

3. Detailní duhovka

Aby pohled působil hluboce, věnujte pozornost detailům duhovky. Duhovka není jen kruh, její struktura připomíná paprsky vycházející od zornice k okraji. Použijte techniku šrafování, abyste vytvořili tento efekt. Také přidávejte malé čáry směřující od středu k okraji a stíny, aby duhovka vypadala objemně.

4. Zornice a odlesk

Odlesk je jedním z klíčových prvků, který oku dodává živost. Než tedy ztmavíte zornici, nechte malou část bílou pro odlesk – ten by měl být na stejném místě na obou očích, aby pohled nevypadal rozostřeně.

A zornice by měla být vždy nejtmavším místem v oku – nebojte se použít syté stíny.

5. Stíny a objem

Stíny jsou nejdůležitější součástí při tvorbě realistického oka. Přidejte jemné stíny kolem okrajů víček, kde víčko přesahuje přes oko. Zvláště důkladně vykreslete stín pod horním víčkem – to dodá oku hloubku. Je také důležité přidat stíny pod oko, abyste ukázali tvar oční bulvy.

6. Řasy a detaily

Řasy nerostou v dokonale rovných liniích – shlukují se a ohýbají různými směry. Horní řasy jsou hustší a delší, zatímco spodní jsou tenčí a řidší. Vykreslujte je tenkými, rychlými tahy a snažte se, aby nebyly všechny stejné.

7. Přidání detailů

Závěrečný krok zahrnuje drobné detaily, jako jsou žilky nebo vrásky kolem očí. Žilky mohou být na bělmu sotva patrné a jemné vrásky nebo záhyby dodají realistický vzhled.

Vytvoření realistického oka je o práci s množstvím detailů – od tvaru a řas po stíny a odlesky. Pečlivá práce na každém prvku vám pomůže zachytit hloubku a živost pohledu.

Pokud se chcete naučit kreslit celé lidské obličeje, přihlaste se na naše online kurzy portrétní malby. Nebo se můžete přihlásit na online kurz kreslení tužkou, kde se naučíte kreslit nejen realistické portréty, ale také krajiny a různá zvířata.

Kámen může být hladký nebo drsný, s prasklinami, prohlubněmi a různými odstíny, což z něj činí zajímavý objekt pro kreslení. Pokud se ale rozhodnete nakreslit kámen a chcete zachytit jeho texturu, připravte se na to, že to nebude jednoduché. Pravidelným cvičením však budete schopni dobře vyjádřit tvrdost, drsnost a jedinečné vzory jeho povrchu.

1. Začněte tvarem kamene

Než přejdete k textuře, nakreslete obrys kamene. Může být kulatý, hranatý nebo nepravidelně tvarovaný. Je důležité od začátku určit základní geometrii a ujistit se, že tvar vypadá přirozeně. Pamatujte, že kameny jsou jen zřídka dokonale symetrické, proto se snažte do obrysu přidat lehké zlomy a nerovnosti.

2. Určete zdroj světla

Pochopení světla a stínu je klíčem k vyjádření textury kamene. Rozhodněte se, odkud světlo přichází, abyste správně rozvrhli světlé a tmavé oblasti. Osvětlené plochy budou hladké a světlé, zatímco do stinných oblastí můžete přidat více drsných texturových prvků.

3. Přidejte praskliny a prohlubně

Jedním z charakteristických rysů kamenů jsou praskliny, odštěpky a prohlubně. Pro zachycení těchto detailů použijte krátké, nepravidelné čáry.

Praskliny mohou procházet celým kamenem nebo být jen na jeho povrchu. Je ale důležité, aby vypadaly přirozeně, takže se vyhněte příliš rovným nebo paralelním čarám. Drsné povrchy můžete vyjádřit přidáním více krátkých a chaotických čar.

4. Pracujte s texturou

Kámen může být drsný nebo hladký. Pokud chcete vyjádřit drsnou texturu, použijte krátké, nepravidelné tahy; pro hladký kámen pracujte s plynulými liniemi a jemnými přechody.
Textura se liší podle druhu kamene. Například mramor má hladké vzory, žula je více zrnitá a pískovec má jemně zrnité, porézní oblasti.

5. Přidejte detaily pomocí teček a skvrn

Aby kámen vypadal realisticky, přidejte tečky, skvrny a tmavší oblasti. Například u žuly, která má zrnitou strukturu, přidejte náhodné tečky různých intenzit a velikostí – tím vytvoříte efekt nerovného povrchu.

6. Stíny a světlo pro objem

K dosažení objemu kamene je důležité správně rozvrhnout světlo a stín. Například hluboké praskliny a prohlubně mají tmavší stíny, zatímco vrcholy kamene jsou světlejší.
Použijte jemné stínování k vytvoření plynulých přechodů mezi světlem a stínem, nebo ponechte ostré okraje pro ostřejší, drsnější kámen.

7. Použití různých odstínů barev

Pokud pracujete s barvou, vybírejte různé odstíny šedé, hnědé nebo dokonce modré a zelené, protože kameny v přírodě mají často složité barvy.
Například u mramoru použijte jemné přechody bílé, šedé a černé. U pískovce – žlutohnědé odstíny. Nebojte se také experimentovat s barvami a přidávat nuance k vyjádření hloubky a rozmanitosti textury.

8. Rozmazané hrany a drsné skvrny

Textura kamenů často zahrnuje drsné a rozmazané oblasti, zejména u kamenů vystavených erozi nebo času. Lehké tahy nebo štětce vám pomohou přidat opotřebované skvrny nebo oblasti, kde je textura méně výrazná. To vytváří dojem, že kámen byl vystaven povětrnostním vlivům, vodě nebo tření.

9. Technika glazování pro složité textury

Pokud pracujete s barvami, zejména akvarelem nebo akrylem, může být technika glazování velmi užitečná. Umožňuje postupně budovat textury a dodat kameni hloubku. Nanášejte několik průhledných vrstev k vytvoření složitějších a vrstevnatých vzorů na povrchu kamene.

Takže pokud se pustíte do kreslení kamenů, máte skvělou příležitost procvičit svou pozornost k detailům a naučit se, jak světlo a stín fungují na nerovných površích. Kameny mají nekonečnou rozmanitost tvarů a textur, což z nich činí jedinečné objekty pro umělecké studie. Čím více budete studovat různé druhy kamenů, tím realističtější budou vaše kresby.

Také se můžete přihlásit do našich online kurzů kreslení tužkou nebo malování krajin akrylem.